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动作电影预告片的3个超实用剪辑方法!

Eyoung视修工作室2019-06-10 02:23:29



电影预告片发展到今天,已经拥有一整套类型体系,针对不同的类型,有配套的风格手法。但究其核心是——制造观影欲望。



而预告片就是一台制造观众产生观影欲望的机器。


那么从剪辑角度该如何做好一个动作电影的预告片呢?



1

音乐是重中之重


预告片牛不牛逼,音乐权重占70%以上。


一段旋律有范、节奏变化丰富的  音乐,是动作电影预告片的核心。适用于所有类型的电影预告片。


剪辑技艺再牛逼,音乐平庸,预告片就平庸;音乐品位高,曲子编辑的好(音乐不是拿来直接一整条用的,需要经过延长、缩短、拼接、变速、变音等处理),那么剪得糙一点都没关系。




音乐是最直观给你“感觉”的东西,2分钟的音乐包含着巨大的情绪流,一个字也不用讲,音乐一起。


就能让你感到“兴奋”“感动”“爱情”“幻灭”“哲学”“宗教”“紧张”“恐惧”“压抑”等情绪,这些抽象的大主题里面又能细分出无数具体的意象。


而画面和对白,在预告片的几分钟时间里,只能呈现出零星的“信息”。


所以,音乐最关键。



2

剪辑技巧


先明确一点,我们剪预告片时,几个镜头剪成一组,几组镜头构为一幕,三幕或者四幕就能组成一条完整的预告片。


新来的剪辑师往往会出现“剪得比较乱”的问题,为什么?


1. 一组镜头只需说清楚一个意思。如果你加入了不是这个意思的镜头,就会突兀。显得乱。


2. 一组镜头讲完后,再去讲下一组镜头,逻辑上或者情绪上要有承接或者递进。新手会瞎跳乱跳,一组镜头还没讲完就开始下一组镜头。


3. 幕与幕之间,要有大的逻辑串联。



扯回来,下面说的剪辑技巧,都是以组为单位。


1. 镜头之间的视点和动势最好接上。


A视点就是视觉重点,上个镜头的视点结束在画面左侧,下一个镜头的视点就尽量从左侧起。


B动势变化要顺。这个看具体情况处理。如果你仅仅把动势顺着方向或者快慢“接上”,那么看起来虽然舒服,但是有些楞。好看的动势要像书法。有断有连,有急有停,有粗有细,有开有合。这个看感觉了。


2. 根据音乐,普通镜头的剪辑要故意不压在节奏上,只把重要镜头压在节奏上。


为什么这样呢?所有镜头全压着节奏上,第一很楞,第二看起来像MV,第三(也是最重要的)你每个镜头都压在节奏上,都很爽,到了牛逼镜头或者该强化的镜头时,再压在节奏点上就没那么爽了,效果就出不来了。


这样是先抑后扬的一种做法。



3. “刺激——反应”链条。


剧情片里,说出的一句话,要接住。(用别人的反应、事件、另一句话等来接)


爱情片里,抛出的一个媚眼,要接住。(别人的媚眼,幸福的表情等来接)


动作片里,射出的一颗子弹,要接住。(东西被打烂,炸弹爆炸,人死亡等来接)


“刺激——反应”链条,是一组镜头最常用的叙事方式之一。给了刺激就一定要有反应,一组镜头才有结束感,结束之后再开始下一组镜头。




路一步一步走,话一句一句说。新手剪片子,最常犯的毛病就是给了刺激,没反应。


不知道怎么就到下一组镜头了。就好像你给别人讲故事,每句话都讲一半,观众不知道哪里出了问题,只觉得不舒服、不好,其实是你挖的坑没填上,绊到观众了。


4. 跳切、快放、快闪夹黑帧、慢镜头


镜头节奏要变化:几个快的,就插一个慢的。几个近景,来一个远景。几个格斗,加个大场面。几句对话,来个爆炸……永远要给出变化,要有能量的起伏。带观众做过山车。



有时人物动作慢我会跳切或适当快放,显得有力一些。快闪夹黑帧这块,《匹夫》先导预告1分10秒处有例子,学生服日本刀砍人。


5. 如果一场戏很牛逼,就整场放。(并不是说你不去处理它)


国外预告片最爱用的技巧,为什么?因为人家电影拍的牛逼,场面撑得住。


常常最后一个镜头(就是最高潮那个),就用片子里的一个牛逼的场景镜头做结尾。不像我们,用高速剪辑或者凌厉的剪辑堆砌出一个高潮来。



6. 起高潮之前压低,高潮后要安静,再起更高的高潮。


通常,开枪爆炸之前,我们会刹住音乐,让整个音响安静下来,说句话或者什么的,再起开枪或爆炸。这样做是为了让高潮显得更高更有力。通过能量差产生对比,做强效果。


3

音响音效设计


评论里有位朋友说觉得音效最关键,实际上,没有最关键的,所有的步骤都是关键。创意、剪辑、音乐、音效、特效等方面全都做到高完成度,才能出一支好预告片。


好莱坞预告片的音效使用量是非常小的,随便打开一支好莱坞大片的预告,旁白和音乐占音响总量的90%,只有在关键的地方才有一两个音效。他们最重要的是对白,对白一起,音乐都会降好几个量级。


为什么呢?因为好莱坞重故事,而且好莱坞演员的念白都很棒,随便一句话都可以撑起来,,加上人家电影画面牛逼,音效这种东西要你用好音响才能感受的到,所以想要看预告片真正的音响设计,还得去电影院里看前面的贴片。



话说话来,音响设计涉及到的声音层次有三层:音乐、旁白、音效。原理是:“此起彼伏,有起有伏”。


1. 有起有伏


从大的音乐结构来看,必须做到“有起有伏”,音乐的能量不要一直高或一直低,需要变化。


我们一般做音乐,同一个旋律走两小节,就要变化。要递进、中断或者旋律发生变化。否则观众看的时候会疲。



2. 此起彼伏


这里主要指音效和对白需要此起彼伏,简单来说就是“有音效的地方别有对白,有对白的地方别有音效”“音效和对白不要打架”。


这个以剪辑师为主,在剪辑时就应该注意,音响设计师做辅助。


观众在一定时间流里面能够注意到的信息是有限的,预告片属于高强度的信息流,对于观众注意点的设置一定是排列有序而不是挤在一起的。


所以大家看标准范式的好莱坞预告片,大的节奏设计通常是固定的:“说几句话”+“插个音效”, 完成一组镜头。对应剪辑就是:几个叙述镜头加对白或旁白+能出音效的镜头。



3. 其他


音响在频率上大致有“高、中、低”三个频率段,许多新的预告片公司作品,往往听起来不够饱满、音效怪怪的、衔接不够顺滑。原因有三。


一是忽视了氛围音,主要是低音的填补。


有一些耳机几乎听不出来的长长的“嗡”“呜”的低音,我们是会随着音乐能量的起伏,压在音乐下面。这一层很重要,缺少了就会让音响变得很“薄”。



二是音效的融合度不够。


同一个声音,比如开枪的声音,乐库里面可能有一千种音效,你要找到能够融合进整体音响里面的那一个。


找不到,就试,试不出来就自己做变音处理,把它融合进去。融合度低的音效,就像一段光滑木板上面的倒刺,很扎手。



三是衔接处理要顺滑。


一部电影预告片会用到好几段音乐,成百上千种音效。这么多的元素拼在一起,要把他们的接缝处打磨顺滑,不扎耳朵。


大概就是这些。上面说的技术和技巧偏多,实际上能够直接带来一些外部的感官刺激,属于比较表层的易学易上手的东西。




真正学的比较慢的、难搞的,还是内在的东西,牵扯到特别多的故事原理和编剧原理。


像如何做悬念、做矛盾冲突、做对抗、讲故事、加强带入感,如何把握剧透和吸引人之间的平衡等等。




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